о мире искусства

ОТ АРТ-МАСТЕРСКОЙ "VOLCHOK STUDIO"

СТИЛЬ «АР-ДЕКО» В ЖИВОПИСИ

В середине XX века, в период двух мировых войн, на смену конструктивизму приходит ар-деко. Яркий, экзотичный, симметричный — он покоряет весь мир! И по сей день арт-деко остается источником вдохновения для художников, дизайнеров, архитекторов и других творческих людей.

Расцвет ар-деко как художественного направления пришелся на 1925-1935 гг. Вскоре изящное новшество переросло в удивительную бескомпромиссность и простоту жизни. Но настали 40-е года, и он отошел на задний план, как чересчур пестрый для жесткой экономии военного времени.

Ар-деко характерно сочетание элементов модерна, кубизма и экспрессионизма; монументальные утяжеленные формы; выразительные формы «технического дизайна». Благодаря международной выставке в Париже, посвященной декоративному искусству и промышленности, ар-деко получил свое название, толчок к развитию и распространению. В 1960-е происходит новый всплеск интереса к этому стилю. В то же время становится популярным движение поп-арт.

Следующая точка в развитии ар-деко выпала на 80-е годы, когда вырос спрос на графический дизайн. Свое первое признание он получил в Европе, но Америка быстро подхватила новшество. Именно здесь голливуд, киноиндустрия поспособствовали громкой популярности ар-деко.

Отличительные черты ар-деко:

• Отказ от реалистичного изображения объектов. Сюжеты, составленные из геометрических фигур.
• Вместе с тем большое внимание уделяется плавным линиям, фону.
• Богатая орнаментация с посылом к традиционной культуре, этническим мотивам.
• Яркие кричащие цвета и оттенки, вытекающие, по мнению исследователей, из творчества парижских фовистов.
• В отличии от модернистской живописи, ар-деко никогда не имел философской основы — это больше декоративное направление. Не смотря на ощутимую тягу к вычурности, ар-деко остается простым и понятным, без сложного подтекста.

Наиболее известные представители арт-деко в изобразительном искусстве — Тамара де Лемпицка, Мари Лорансен, Эрте, Карлос Саенс де Техада, Хосе де Альманда Негрейрос, Рафаэль Делорм, Жан Дюпас.

Оригинальная, яркая картина в стиле арт-деко прекрасно впишется в интерьер современной квартиры, студии, кинотеатра, кафе… Этот стиль пережил несколько кризисов и продолжает радовать нас своей простотой, яркостью, практичностью и индивидуальностью.

В «Volchok Studio» вы может нарисовать свою собственную картину ар-деко — все материалы предоставляем, а занятия проводит профессиональная художница!

Приходите, будет интересно.

«Pablo Picasso», Мари Лорансен

Художник Карлос Саенс де Техада

«Девушка с перчатками», Тамара де Лемпицка

ПОДСОЛНУХИ ВИНСЕНТА ВАН ГОГА

Всего Винсент Ван Гог создал три серии картин с подсолнухами:

• в 1887 году в Париже — лежащие цветы;
• в 1888 в Арле — подсолнухи в вазе,
• а также их копии по возвращению из этой «творческой командировки».

Серия подсолнухов в вазе появилась благодаря натурщицам, ветру и другу художника Полю Гогену. Первые не пришли позировать, второй бушевал, испортив планер на природе. Художник был вынужден импровизировать с охапкой сорванных цветов и вазой. Ну а Поль Гоген был тем, ради кого, собственно, и было все это затеяно. Ожидая его приезда, Винсент испытывал эмоциональный подъем, в надежде, что вместе они создадут коммуну художников. Так он загорается идеей украсить комнату коллеги серией радостных, светлых натюрмортов.

У картин один сюжет: на поверхности стоит грубая ваза с огромными, солнечными цветами. Все они написаны в технике «импасто»: густое нанесение краски с помощью мастихина, ножа и кисти. За счет шероховатости изображений и их несоразмерности формату холста, создается иллюзия, что подсолнухи не нарисованы, но реально существуют, движутся, колышутся от ветра, а их лепестки вот-вот раздвинут рамы и проникнут в реальный мир.

ПОП-АРТ — ДЕРЗКИЙ ВЫЗОВ ТРАДИЦИОННОЙ ЖИВОПИСИ

Великобритания, 50-60-е годы, тяжелое послевоенное время. С завистью поглядывая на процветающую экономику США, идеализированные картинки беззаботной жизни в американских журналах, англичане начинают пропагандировать образы массовой культуры потребления. Первыми к этим образам обратились художники Ричард Гаильтон, Джон МакХейл, Найджел Хендерсон и сэр Эдуардо Паолоцци, входившие в так называемую «Независимую группу».

Плачущая девушка в точечной технике «Бен-Дэй», Рой Лихтенштейн, 1964 год

Одна из самых знаковых картин английского поп-арта — коллаж Ричарда Гамильтона с затейливым названием «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Она писалась для важнейшей выставки «Это — завтра» (Лондон, галерея Уайтчепел) и отразила всепоглощающий интерес художников того времени к массовой культуре.

«Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», 26×24.8 см, 1956 год, Ричард Гамильтон

«…кино, научная фантастика, реклама, поп-музыка. Мы не испытываем к массовой культуре неприязни, распространенной среди интеллектуалов. Напротив, мы принимаем ее как факт, детально обсуждаем и с энтузиазмом потребляем», - писал критик Лоуренс Аллоуэй, также бывший членом «Независимой группы».

Как ни странно, США быстро подхватило новое направление искусства и развило его до невероятных масштабов. Но здесь поп-арт воспринимается совсем иначе - как бы в противовес традиционной живописи и беспредметному экспрессионизму. Новое поколение художников стремилось вернуться к предметной живописи, разбавив ее иронией, несерьезностью и китчем.

Стабильный высокий доход, много свободного времени, растущая промышленность, телевидение и новые тенденции в печатной рекламе — вот что поспособствовало развитию яркого, эксцентричного поп-арта. Людей буквально закидывали продуктами, начиная от косметики и бытовой техники, заканчивая блестящими кабриолетами. Последние были материальным воплощением счастья, если верить рекламе тех лет.

«Американские обнаженные», Том Вессельман

Отличительные черты стиля

Поп-арт существует в самых различных формах, но общие отличительные черты стиля все же можно выделить:

• Игра с размером, количеством и цветом.
• Большие фотографичные изображения популярной продукции (кока-кола, супы Campbell и др.) и медиа-звезд (Элвис Пресли, Мао Дзедун, Мэрлин Монро). Явно прослеживается концепция отсутствия иерархии в культуре, а искусство может «питаться» из любого источника.
• Использование растиражированных рисунков, постеров, настенной плитки, ковровых узоров, комиксов.
• Кричащие и даже неоновые цвета.
• Эффект стилизации и искусственности.
• Художникам предыдущих поколений была свойственна «горячесть» в выражении чувств. А работы в стиле поп-арт, не смотря на свою яркость, характеризуются двойственностью, «прохладой», эмоциональной отстраненностью.
• Большинство тех, кто представлял поп-арт того времени, начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Например, Джеймс Розенквист сначала разрисовывал биллборды, а Энди Уорхол был графическим дизайнером и иллюстратором в журнале. Так что, они уже имели «визуальный словарь» массовой культуры и наработки, позволившие им с успехом объединить сферу высокого искусства с поп-культурой.

Несколько знаковых работ поп-арта 50-60-х годов

Сто банок с супом «Кэмпбелл» Энди Уорхола! 

Художник выбрал массовый продукт и использовал его в контексте изобразительного искусства. Он не просто сделал акцент на популярном образе, а указал на отношение людей к узнаваемому товару, который они покупают не задумываясь.

Сто банок с супом «Кэмпбелл», 183×132 см, 1962 год, Энди Уорхол

«Блам!», 1962 год, Рой Лихтенштейн.

Работа выполнена в точечной технике «Бен-Дэй», позаимствованной из комиксов. Собственно, как и сам сюжет. Лихтенштейн взял часть комикса Расса Хита «All American Man of War» (№ 89) и внес в него свои изменения. Художник исследовал границы между «высоким» и «низким» искусством, всякий раз поднимая вопросы об оригинальности культуры.

«Блам!», 172.7×203.2 см, 1962 год, Рой Лихтенштейн

«Большой всплеск», 1967 год, Дэвид Хокни.

Свою огромную работу размером 2,5 на 2,5 метра художник написал с фотографии, увиденной им в буклете-инструкции для посещающих бассейн. Его заинтриговала идея перенести на холст мимолетное событие, застывшее на фотографии.

«Большой всплеск», 242.5×243.9 см, 1967 год, Дэвид Хокни

«Мне понравилась мысль нарисовать нечто, что длится две секунды. Чтобы запечатлеть эти две секунды, мне понадобилось две недели», говорил он. Динамичный всплеск резко контрастирует с жесткой, статичной геометрией бассейна, трамплина и пальм. Так художник намеренно создает эффект расчлененности, бессвязности объектов.

А вам нравится поп-арт? В Volchok Studio мы дадим все необходимые материалы, от вас - классная идея и желание рисовать.